07. Mai 2015 · Kommentare deaktiviert für Liebe Leser_innen. (Warum ich nur selektiv gendere.) · Kategorien: Aus der Produktion · Tags: , , , , ,

Ich bin mir dessen bewusst, dass Sprache sexistische Strukturen abbildet, nein, nicht nur Sexismus, auch Rassismus, Klassismus, überhaupt hierarchische, diskriminierende Strukturen. Das war mir schon im Studium klar, in den Seminaren zu feministischer Linguistik (das einzige, was mich an der Linguistik überhaupt interessiert hat), nach denen ich konsequent das große I in meinen Texten verwendet habe, bis ich verstanden habe, dass das große I ebenfalls ausgrenzend wirkt, weil es eine Dualität der Geschlechter behauptet, die in der Realität nicht da ist. Seither verwende ich den Unterstrich _, wohl wissend, dass auch der nicht der Weisheit letzter Schluss ist.

Beziehungsweise: Ich verwende ihn in Briefen, Manuals, Mails, Konzepten. Wo ich ihn nicht verwende: in Artikeln. Natürlich bin ich als Autor an die Schreibweisenkonventionen der publizierenden Medien gebunden – wo nicht gegendert wird, da gendere ich natürlich auch nicht. Andererseits kämpfe ich auch bei den nicht-gendernden Medien nicht darum, dass diese Konvention aufgehoben wird. Schlimmer noch: Selbst bei Medien, an denen es den Autoren und Autorinnen (da! schon wieder!) freigestellt ist, wie zum Beispiel bei der Nachtkritik (Georg Kasch empfahl hier ein Sternchen: *), gendere ich nicht, selbst bei Les Flâneurs, wo ich als V.i.S.d.P. fungiere und Kolleginnen wie Ninia Binias ganz selbstverständlich gendern, lasse ich es bleiben. Und frage mich natürlich: warum?

Genau deswegen.

Wegen dieser Frage: warum? Sobald man die sich stellt, ist man sich nämlich des Problems bewusst, dass sprachimmanenter Sexismus existiert. Und denkt denselben dann im besten Falle mit, man schafft also bei sich (und bei den Leserinnen und Lesern) ein Bewusstsein für das Thema. Ein nicht-gegenderter Text ist entsprechend eine schmerzende Wunde, eine Wunde, die weit stärker schmerzt als wenn die Probleme fröhlich mit Sternchen, Unterstrich, großem I oder was auch immer übertüncht werden. Zumindest in der Theorie ist das so.

Natürlich ist das in der Praxis anders. In der Praxis geht es natürlich auch darum, möglichst elegante Texte zu formulieren, und je eleganter ein Text ist, desto weniger schmerzt die Wunde. Am Ende steht dann ein Artikel, der ganz und gar nicht auf ein Problem hinweist, sondern der die rein männliche Position einfach nur reproduziert, nichts ist gewonnen, alles ist, wie es immer war. Problem.

Aber vielleicht ist genau das der Punkt: dass man sich immer wieder mit Problemen auseinandersetzt, dass man nicht einfach etwas gegeben nimmt, dass man die eigene Position immer wieder hinterfragt. Und vielleicht ist dieses Hinterfragen auch genau das, was für mich an Feminismus und Gendertheorie wichtig ist und was von Maskulinisten und Rechten einfach nicht verstanden wird – dass es hier nicht um Befehle geht, wie man sich auszudrücken hat, sondern um das Vergegenwärtigen von Problemen. Zumindest für mich. Was eine männlich zentrierte Position ist, schon klar.

… ist das Gatekeepertum. Sind die Fragen von Künstlern, die ich teilweise wirklich mag, menschlich, künstlerisch, die fragen, ob ich nicht was zu ihrer nächsten Ausstellung, zu ihrer nächsten Premiere schreiben würde. Ich rede nicht von Promotern, deren Bettelmails von wegen „Wir suchen regelmäßig nach niveauvollen Lifestyleblogs und wollten einen Linktausch mit deiner tollen Seite anregen“ ich mittlerweile nicht einmal ignoriere, die landen ungelesen im Spamordner, und ich gehe davon aus, dass sich die Vetreter dieses verachtenswerten Berufsstandes dessen auch bewusst sind. Nein, ich rede von den Künstlern, die mir persönliche Mails schreiben und von ihrem neuen Projekt schwärmen, und denen ich dann sagen muss, dass ich trotzdem nichts drüber schreibe. Weil es nicht ins Profil passt. Weil ich da gar keinen Einfluss drauf habe, worüber was geschrieben wird und worüber nicht. Weil ich grundsätzlich nicht über Leute schreibe, die ich persönlich kenne, also, „Kennen“ im Sinne von „mehr als mal Hallo sagen und auf Facebook befreundet sein“. Weil ich es nicht berichtenswert finde, das auch.

Ich habe meinen Beruf immer als einen beschreibenden verstanden, als: Ich schreibe auf, was ist. Seit einiger Zeit wird mir klar, dass das nicht funktioniert, ich beschreibe nicht, was ist, ich treffe eine ziemlich harte Auswahl, was ich überhaupt besuche, und dann mache ich nochmal eine Auswahl, über was ich dann schreibe. Das ist nicht immer fair, das ist mir auch klar.

Mittlerweile schreiben mir Künstler per Post. An meine private Adresse, wenn man tief genug in der Bandschublade nach dem Impressum sucht, dann findet man die. Ich möchte das nicht. Ich möchte keine Kataloge von irgendwelchen Malern ungefragt zugeschickt bekommen, mit der Aufforderung, sie zu besprechen. Es vergrößert die Chancen auf eine Besprechung nicht, wenn man möglichst penetrant agiert.

Und dann die Enttäuschung. Und dann die Wut, die auf die Enttäuschung folgt. Der Kollege Till Briegleb bekam sie zu spüren, als er auf Deutschlandradio Kultur sagte, dass zum Theatertreffen immer nur die großen Bühnen aus Wien, Berlin, Hamburg eingeladen würden, weil dort eben das „bemerkenswerte“ Theater produziert würde, dort, nicht in Kassel, Augsburg, Magdeburg. Falls Briegleb demnächst in Kassel, Augsburg, Magdeburg vorbeischauen sollte, dann wird er wahrscheinlich von beleidigten Dramaturgen gelyncht, aber in Wahrheit sagte er nur, was eigentlich klar ist: Man kann sich nicht alles anschauen. Man ist ein Gatekeeper, zwangsweise, und vor einem stehen noch weitere Gatekeeper: Die FAZ hat was über die Kunsthalle Emden geschrieben, also schau’ ich mir die auch mal an. Falk Schreiber hat was übers Theater Oldenburg geschrieben, also fahr’ ich mal nach Oldenburg.

Mir gefällt das nicht. Eine Lösung habe ich nicht.

Ich wurde angefragt. Von Christiane Frohmann, ob ich mich an der Anthologie „Tausend Tode schreiben“ beteiligen wolle: einen kurzen Text für ein E-Book hergeben, einen Text über den Tod. Die Erlöse gingen an das Kindersterbehospiz Sonnenhof in Berlin, mit so etwas kriegt man mich, ich finde Hospize eine gute Sache. Außerdem, der Tod, das ist ein Thema, mit dem ich mich mehrfach beschäftigt habe, viel nachdenken muss ich nicht, Frau Frohmann kriegt mich. Jedenfalls: Jetzt ist „Tausend Tode schreiben“ erschienen, mit Beiträgen von geschätzten Autorinnen und Autoren wie Zoe Beck, Isabel Bogdan, Gesa Füßle, Rafael Horzon, Sarah Khan. Und von mir. Man kann sich das E-Book downloaden, zum Beispiel bei Minimore, wie gesagt: Es ist für eine gute Sache, meine Güüte, ich machte eine Textspende für eine gute Sache, ich machte Charity, wie Campino, do they know it’s christmas, ach, egal. Ich finde es schön, ich bin ein Stück weit stolz, hier dabei zu sein. Mit folgendem Text, aber, wie gesagt, kauft euch das Buch, es ist ja nicht für mich.

Rosenmontag

Am Sonntagabend dann der Anruf. Sie frage nach mir, ob ich kommen könne. Und, ja, natürlich kann ich kommen, das heißt, eigentlich kann ich nicht kommen, eigentlich habe ich Montag Termin auf Termin, aber das wird schon gehen, sicher komme ich, morgen, am späten Vormittag. Den restlichen Abend verbringe ich mit Telefonaten, Terminverschiebungen, Onlinestellen zu bearbeitender Artikel. Das geht alles. Abfahrt 8 Uhr 32, ICE 279, Berlin-Kassel, zur Weiterfahrt über Frankfurt nach Mainz.

Montag ist Rosenmontag. Das kennt man in Berlin nicht, aber in Mainz ist Rosenmontag Ausnahmezustand. Auch in Berlin wohnen Menschen, die sich diesen Ausnahmezustand herbeisehnen. Einige Jahre lang versuchten sie, Rosenmontagszüge Unter den Linden zu organisieren. Rosenmontagszüge, die allerdings keinen interessierten, und ohne öffentliches Interesse gibt es keinen Ausnahmezustand. Also fahren sie nach Mainz. Im ICE 279. Sie trinken, frühmorgens, Trinken muss sein, ohne Trinken ist es kein Ausnahmezustand. Sie haben einen Ghettoblaster dabei. Sie sitzen im Großraumabteil, Wagen 7, zweite Klasse, fünf Stuhlreihen hinter mir. Ich versuche, einen Artikel fertigzustellen, meine Gefühle fahren Achterbahn, mir war klar, dass dieser Anruf über kurz oder lang kommen würde, „Sie fragt nach dir“, ich konnte mich auf die Situation vorbereiten, das wird schon gehen. Nichts geht.

Es geht aber auch deswegen nicht, weil es scheppert und grölt, fünf Reihen hinter mir. Warum ist es am Rhein so schön. Zieh dich aus, kleine Maus, mach dich nackig. In München steht ein Hofbräuhaus, warum auch immer. Wir bauen eine U-Bahn, von Frankfurt bis nach Auschwitz, meine Güte. Hinter Braunschweig platzt mein Kopf. Ich drehe mich um, brülle den erstbesten Karnevalisten an, „Könnt ihr vielleicht mal still sein? Ich versuche, zu arbeiten!“ Ein Fehler: von diesem Moment an haben sie mich auf dem Kieker. „Och, der Arme, er muss arbeiten!“, „Seid doch mal still, da vorne muss einer arbeiten!“ Ein paar Karnevalisten wanken nach vorn, um mir über die Schulter auf den Bildschirm zu linsen. Zuerst denke ich, dass sie mir gleich eine reinhauen, wäre mir egal, aber sie drehen gleich wieder um. Wahrscheinlich haben sie gesehen, dass mir die Tränen übers Gesicht laufen, wahrscheinlich haben sie kapiert: Das ist jetzt ernst. Von nun an lassen sie mich in Frieden, was nicht heißt, dass sie still sind, sie singen und saufen und grölen weiter, aber sie ignorieren mich dabei. Irgendwann übergibt sich einer, irgendwann fangen zwei einen Streit an. Ich liege in Watte.

Hildesheim. Göttingen. Kassel-Wilhelmshöhe. Raus, ich habe nichts gearbeitet. Hinter mir noch ein paar einsame Rufer: „Viel Spaß beim Arbeiten!“ Viel Spaß. Ich will, dass sie, ach, nein, ich will eigentlich gar nichts. Nur weil ich einen schlechten Tag habe, muss ich ihnen nicht auch den Tag verderben. Auf Gleis 2 zurückbleiben bitte, Ihr Zug fährt jetzt ab. Straßenbahn, Krankenhaus. Kannst du kommen?

14. November 2014 · Kommentare deaktiviert für Es gibt wieder Neuigkeiten · Kategorien: Aus der Produktion

Liebe Leute da draußen, liebe Promoter, liebe womöglich wirklich von eurem Produkt überzeugten Onlinemarketingmenschen, die ihr diesen Text ja ohnehin nicht lesen werdet und die mich demnach immer weiter mit ranwanzenden Mails belastet … Ich erkläre mal, weswegen ich euch nicht mag.

So sieht eine typische Mail aus, wie sie die Bandschublade immer wieder erhält:

Hey Falk, (Wir kennen uns nicht. Weswegen ranzen Sie mich also an als ob wir alle zwei Wochen nackt im Whirlpool Champagner trinken würden?)
es gibt wieder Neuigkeiten von Dödeldüm (Nein, ich tue Ihnen nicht den Gefallen, einen Markennamen hier zu nennen). Endlich kann man den (den?) Beanie online gestalten! Entweder bestellt man seine Instagrams als Wechselbild oder lädt bei uns ein Bild hoch (Ich verstehe nicht einmal in Ansätzen, um was es hier geht). Wenn man darauf keine Lust hat, kann man die Wechsel-Designs wie gehabt (wie gehabt, ja, schon klar) aus der Community aussuchen – immer passend zum Outfit oder dem Anlass.

Hättest du vielleicht Lust einen Beanie bei „Bandschublade“ vorzustellen? (In diesem Satz fehlt ein Komma. Egal, alles egal.)

Hier kannst du es selbst ausprobieren: Beanie gestalten
Die Seite ist noch beta (Sie dienen mir hier halbfertigen Schrott an, ja?) – nächste Woche kommt ein großes Update, bei dem Performance und Usability noch mal stark optimiert wird!

Was mich an dieser Sache so wahnsinnig nervt, ist gar nicht mal das schnöde Geduze, das unreflektierte Um-sich-Werfen mit Buzzwords wie „Community“ und „Usability“, es ist auch nicht die Tatsache, dass der Absender der Mail sich nicht einmal die Mühe gemaht hat, zu schauen, ob das, was er will, überhaupt auf dieses kleine, sympathische Hinterhofblog Bandschublade passen würde.

Nein, was mich nervt, ist, dass da jemand in einem Büro sitzt und glaubt, ein Blogger würde sich tatsächlich über so eine Mail freuen. Jemand, der glaubt, Konsum und Werbung hätte etwas zu tun mit Lust, mit Spaß. Jemand, der den dreckigen Kapitalismus schon so verinnerlicht hat, dass er denkt, ja, hey, ist doch cool, so ein Beanie, kann man doch mal ausprobieren, mal vorstellen. Hey Falk, es gibt wieder Neuigkeiten. Das macht mich so unglaublich traurig, solch ein Leben, das nicht einmal weiß, in welchen Zwängen es steckt, in welchen Gewaltverhältnissen. Ich möchte heulen, weil ich mir vorstelle, wie M. gerade am Computer sitzt und sich einen drauf runterholt, weil, ist ja geil, so ein Beanie.

Und weil ihr mich traurig macht, tieftraurig, deswegen mag ich euch nicht. Das ist ein Schutzverhalten, ich lasse diese Traurigkeit einfach nicht an mich ran.

Ich schreibe zu wenig. Genauer: Ich blogge zu wenig. Ich war im Urlaub in Schottland, das ergibt in der Regel immer ein paar interessante Blogbetrachtungen, aber diesmal habe ich nichts geschrieben. Keine Lust. Ich verbrachte ein paar schöne Tage in der alten Heimat Ulm, ich habe spannende Ausstellungen gesehen, vielleicht hätte ich da was drüber schreiben können, aber, ach, ich konnte es auch bleiben lassen. Die Serie „Was mache ich hier eigentlich?“, in der ich meine Lohnarbeit dokumentiere und verlinke, habe ich ausgesetzt, Sommerloch, verständlich, aber mittlerweile haben wir Oktober, das Sommerloch ist geschlossen, längst sind umfangreiche, neue Artikel von mir erschienen, und ich habe trotzdem nichts dazu geschrieben. Gibt ja torial, da findet man den ganzen Kram auch.

Ich habe den Blogblues.

Vielleicht schreibe ich gerade beruflich ausreichend. Vielleicht erlebe ich gerade soviel im eigentlich längst abgeschriebenen Real Life, dass ich die Bandschublade stiefmütterlichst behandle. Vielleicht bin ich an eine Grenze gestoßen, vielleicht ist das Bloggen, das ich hier betreibe, auch nicht mehr als das, was ich im Hauptberuf mache: klassischer Kulturjournalismus plus Links. vielleicht brauche ich neue Formen, sowas, wie wir es manchmal auf Les Flâneurs ausprobieren: kollektiv verfasste Artikel. Vielleicht mache ich was neues, vielleicht ein Fotoblog, vielleicht lasse ich einen Tumblr hier reinlaufen. So wie es zuletzt war: interessiert es mich gerade leider gar nicht.

Diese Seite wird nicht sterben, sie legt sich nur mal ein wenig schlafen. Klar, ich zahle jährlich für das Webhosting, aber natürlich ist falkschreiber.com eine schicke Adresse, wenn man Falk Schreiber heißt, die gebe ich so schnell nicht auf, und so teuer sind die Gebühren auch nicht. Vielleicht finde ich ja mal eine Verwendung für die Seite, vielleicht passiert hier demnächst was ganz neues. Vielleicht werde ich erwachsen, und falkschreiber.com wird eine klassische Präsentationsseite, mit Foto im Anzug und so. Vielleicht überkommt es mich auch wieder, und ich mache so weiter wie bisher. Bis dahin: Lasst euch nicht nerven, wenn es hier so öde zugeht wie während der vergangenen Monate. Ihr müsst nicht täglich vorbeischauen, ihr könnt mir auf Twitter folgen oder mich (falls wir uns persönlich kennen) auf Facebook befreunden, dann erfahrt ihr, was abgeht.

Ansonsten: Erstmal Danke fürs Interesse.

Kurz vor der schlimmsten Jahreszeit für den Kulturjournalisten, der Saure-Gurken-Zeit, drehe ich noch einmal auf. Und veröffentliche auf einen Schlag Text um Text … Wobei ihr längst verstanden habt: So etwas heißt nicht, dass mich plötzlich die Arbeitswut gepackt hat, so etwas heißt nur, dass sich eine ganze Reihe Artikel auf Halde angesammelt hat. Wie ein aufgestauter See – irgendwann brechen eben die Dämme.

Für die Nachtkritik habe ich das Live Art Festival auf Kampnagel besucht. Also, ich habe mich dem Exzess hingegeben – „Excess yourself“ lautete das Thema. Für meinen Festivalbericht besuchte ich unter anderem Arbeiten von HGich.T, Neal Medlyn und Ariel Efraim Ashbel.

Exzess ist eine gefährliche Sache. An der Bar in der Kampnagel Music Hall hängt jedenfalls ein Ausschnitt aus einer Klatschzeitschrift mit der Überschrift „Beauty-Killer Alkohol“, was einem exzessives Verhalten schon im Vorfeld vermiesen soll. Andererseits sind Beauty, Würde, Struktur ohnehin Konzepte, die man mal hinterfragen sollte, und das „Ja!“ zum Exzess ist wohl der erste Schritt zu diesem Hinterfragen.

Es gab noch mehr Festivals, vergangenen Monat, darunter das Körber Studio Junge Regie in der Gaußstraße, über das ich in der Theater heute einen längeren Text veröffentlichte (der, wie immer bei diesem Medium, online nur für Abonnenten zugänglich ist):

Elf Jahre existiert das Körber Studio Junge Regie am Hamburger Thalia in der Gaußstraße als Leistungsschau der deutschsprachigen Regieschulen. Elf Jahre, in denen die unterschiedlichen Schulen ihre Profile schärfen konnten, elf Jahre, in denen sich aber auch Vorurteile verfestigten. Zum Beispiel: Die Unis Hildesheim und Gießen stehen für Postdramatik, die Hamburger Theaterakademie für gut abgehangene Ironie und die Berliner Ernst Busch Schule für Exzess und körperliche Entgrenzung. Und wie meist sind solche Vorurteile eine self-fulfilling prophecy: Wer es darauf anlegt, in Hildesheim Postdramatik zu finden, der findet sie dann auch.

Ebenfalls in der Theater heute schrieb ich noch eine Doppelkritik über zwei Abende am Theater Bremen: „Die zehn Gebote“ in der Regie Dušan David Pařízeks und „Lost“, inszeniert von Alexander Giesche.

Was diese „Zehn Gebote“ ganz und gar nicht sind, ist – religiös. Gut, das ist auch die Vorlage von Kieślowski und Piesiewicz nur in dem Sinne, dass hier auf ein biblisches Regelwerk Bezug genommen wird, aber die Konsequenz, mit der Pařízek allgemeine menschliche Verhaltensregeln ohne jeglichen Rückgriff auf eine höhere Macht durchdekliniert, irritiert dann doch. Zumal wenig später ein weiterer Fernsehstoff am Bremer Theater zur Aufführung kommt, der im Grunde nichts anderes macht als eben eine solche Macht zu umkreisen: Alexander Giesches „Lost“ nach Motiven aus der gleichnamigen TV-Serie.

Für das uMag habe ich Ebba Durstewitz interviewt – die kennt man hauptsächlich als Musikerin bei JaKönigJa, sie ist aber auch Literaturwissenschaftlerin. Und Künstlerische Leiterin des Dockville-Satellitenfestivals Scienceville.

uMag: Ebba Durstewitz, ich kann mir etwas unter dem Dockville als Musikfestival vorstellen. Das Artville als Kunstfestival geht auch. Und auch das Lüttville als Kinderfreizeit. Aber Scienceville?
Ebba Durstewitz: Die Vorgabe war „Kunst und Wissenschaft“, und mir war ziemlich schnell klar, was ich nicht machen möchte: ein Festival, wie es sie in Science Centern oder Museen gibt, bei dem es darum geht, was Kunst und Wissenschaft überhaupt miteinander zu tun haben. Das Thema ist ziemlich abgefrühstückt. Unser erstes Anliegen ist, wissenschaftliche Themen aus der Uni rauszuholen, und da passt das Motto „Nichtwissen, Nichtverstehen“ ganz gut. Die Lehre vom Nichtwissen nennt sich Agnotologie, die Lehre vom Nichtverstehen nennt sich negative Hermeneutik – das ist einfach ein Perspektivenwechsel, der gerade in den Wissenschaften stattfindet, der aber noch nicht durch alle Feuilletons genudelt wurde.

Außerdem im uMag: ein Fragebogen mit der wunderbaren Electroclash-Gendertrouble-Heldin Peaches:

uMag: Deine Botschaft an die Frauenhasser dieser Welt?
Peaches: Seid keine!

Und ein Überblick über die großen und kleinen Theaterfestivals diesen Sommer. Kann man ja immer brauchen.

Sommer heißt: Theater machen Spielzeitpause. Und Spielzeitpause heißt: Festivalzeit! Was schade ist um den Sommerurlaub der Theatermacher, aber schön für uns.

Und schließlich schrieb ich auch noch ein rauchschwangeres Hohelied auf meine Wunschheimat, das Ruhrgebiet.

Das Ruhrgebiet ist natürlich Provinz, da braucht man nichts zu beschönigen. Trotz eines urbanen Raums mit fünf Milionen Einwohnern, trotz einer tollen Hochschullandschaft, trotz atemberaubender Industriearchitektur und trotz großartiger Theater, Museen und Fußballvereine. Das ist alles nicht wichtig. Wichtig ist ein Stadtkonglomerat, das aus der Zeit gefallen scheint, irgendwann seit Mitte der Neunziger. Da fing man an, das Ruhrgebiet zu übersehen, da zogen die Coolen alle weg, nach Berlin oder ins Ausland, und die Zielstrebigen zogen nach München und nach Hamburg. Im Ruhrgebiet blieben die, die sanft den Tag wegkifften, mit Blick auf das Dortmunder Stadtentwicklungsquartier Phoenix West. Im Sonnenuntergang.

Im Kino war ich auch, nur geht es hier ebenfalls um Theater. Mainstream-Regisseur Joss Whedon neuverfilmte „Viel Lärm um nichts“ – die Kritik steht in der kulturnews.

„Viel Lärm um nichts“ mag die Arthouse-Fingerübung eines Blockbustermachers sein, aber in seiner Beweisführung der Heutigkeit von Shakespeares Versen ist der Film durchaus beeindruckend. Zumal Whedon ein wunderbar aufgelegtes Ensemble zur Verfügung hat, das den zwar konventionell, aber in edlem Schwarzweiß gedrehten Film ohne Durchhänger spielt.

Ächz. Kommenden Monat setzt diese hübsche Rubrik aus, Sommerloch, ihr wisst ja. Bis dahin: viel Spaß beim Lesen.

29. Mai 2014 · Kommentare deaktiviert für Was mache ich hier eigentlich (Mai 2014) · Kategorien: Aus der Produktion · Tags: , , , , , , , , ,

Das Sommerloch erhebt schon im Mai sein hässliches Haupt, zudem ist da das Theatertreffen, das dafür sorgt, dass recht wenig los ist. Ulkigerweise bin ich trotzdem immer gestresst und komme kaum zum Bloggen, weder hier noch drüben bei den Flâneuren. Tja.

Für die Nachtkritik habe ich vergangenen Monat nur einen einzigen Text geschrieben. Und der ist nicht einmal eine Kritik im klassischen Sinne sondern ein Bericht vom Besuch auf einem Straßenfest, also, bei „New Hamburg„, der Außenproduktion des Schauspielhauses.

Für das Schauspielhaus haben Björn Bicker, Malte Jelden und Michael Graessner auf der Veddel den Themenkomplex „New Hamburg“ entwickelt, eine Mischung aus Sozialarbeit, Stadterkundung und auch Theater, das vom 3. bis 25. Oktober in ein Festival münden soll. Bicker, Jelden und Graessner haben ähnliche Projekte schon für die Münchner Kammerspiele („Bunnyhill“) und das Theater Neumarkt in Zürich („Arrivals“) realisiert, Ende Juni planen sie Vergleichbares in Stuttgart – als mäkeliger Kritiker hat man so schnell das Bild eines Künstler-Jetsets vor Augen, der aus der Brennpunkt-Recherche ein einträgliches Geschäftsmodell entwickelt. Man kann aber auch anerkennen, dass man es hier mit Profis zu tun hat, mit Leuten, die wissen, was sie tun, die wissen, dass es erst einmal nicht darum geht, große Kunst zu machen, sondern darum, Vertrauen herzustellen in einem theaterfremden Umfeld – die Kunst mag dann später kommen.

Auch in der Theater heute habe ich was geschrieben, eine Kritik zu Armin Chodzinskis „Allegorie der Unsterblichkeit“ auf Kampnagel (die wie bei diesem Medium üblich online nur für Abonnenten verfügbar ist, ihr kennt das).

Chodzinski trägt eine Kastenbrille, einen leidlich sitzenden Anzug, einen Seitenscheitel. Die perfekte Mischung aus Spießertum und St. Pauli-Grandezza. Und er singt: Brechts „Solidaritätslied“, Vorwärts!, immer weiter, Wachstumszuversicht ist kein originär rechtes Thema. Singen, Tanzen, Brüllen, Predigen.

Im uMag habe ich mich mit den „Menschen da draußen“ auseinandergesetzt. Ja, mit den Menschen, die AfD wählen. Oder so denken wie AfD-Wähler. Kein schönes Thema.

Die Menschen da draußen haben Angst. Vor Gender Mainstreaming. Vor dem Islam. Vor Homosexualität. Die Menschen da draußen halten Wladimir Putin für einen tollen Politiker und die EU für ein sozialistisches Zwangssystem. Die Menschen da draußen haben was gegen Politiker, gegen Medien und gegen Akademiker. Die Menschen da draußen wirken, alles in allem, ziemlich freudlos, umzingelt von Institutionen, die ihnen Böses wollen.

Außerdem habe ich gemeinsam mit meiner Praktikantin Lena Schütte einen Fragebogen für die Performancegruppe/Band HGich.T entworfen.

uMag: Was erträgt man leichter: schlechte Musik oder schlechtes Theater?
Paul Geisler: Schlechtes Theater sieht man zu 99 Prozent gar nicht. Schlechte Musik läuft überall. Das ist natürlich Geschmackssache, aber wenn der Geschmack genervt ist, ist man total ohnmächtig.

Außerdem habe ich noch einen kurzen Text geschrieben über Dietmar Daths neuen Roman. Ein Irrsinn.

Ein Beispiel aus dem „Roman der letzten Künste“ „Feldeváye“ (Suhrkamp Nova)? „Die Rengi im Raum larkten schockiert. Der Storarier keuchte leise, das Wilfern hatte ihn viel Sauerstoff gekostet.“ 800 Seiten lang, ohne eine Erklärung, was „Larken“ oder „Wilfern“ eigentlich sein sollen. Dafür feiert Dath eine diebische Freude am Schichten von kaum decodierbarem Gelaber, eine Freude, die „Feldeváye“ auf die Dauer nahezu sinnliche Qualität verschafft.

An Kritiken gibt es in der kulturnews eine über die fast uneingeschränkt empfehlenswerte Graphic Novel „Kinderland“ des großartigen Mawil:

„Kinderland“ ist wie so häufig bei Mawil die Erinnerung an Schule, erste Liebe, Versagensängste. Allerdings ist die Geschichte diesmal im Gegensatz zu „Die Band“ (2004) und „Wir können ja Freunde bleiben“ (2003) politisch aufgeladen: Wir befinden uns im Sommer 1989, die Erlebnisse des 13-jährigen Helden vollziehen sich vor dem Hintergrund der kollabierenden DDR. Das letztgültige Buch zur Wiedervereinigung ist „Kinderland“ dabei aber trotzdem nicht geworden – es geht weiterhin mehr um pubertäres Suchen als um Politik, und das im typischen Mawil-Stil. Jetzt eben auf ernst.

Im Kino war ich auch. Und habe Götz Spielmanns „Oktober November“ besprochen.

In strengen Szenenanordnungen treibt der 52-jährige Übervater des aktuellen österreichischen Filmbooms jedes Sentiment aus der Vorlage, er dreht kalt, elegant, theaternah, im Verzicht auf jedes überflüssige Element. Details stellt er in den Vordergrund, auf den ersten Blick wichtige Szenen handelt er kurz ab, behandelt Nebensächliches dafür ausführlich. Das gibt Raum für die bis in kleinste Rollen höchst motivierten Darsteller, allen voran Ursula Strauss und Nora von Waldstätten als Schwesternpaar. Kein Figur wird denunziert, beide dürfen ihre Schwächen, Stärken und Geheimnisse behalten und schaffen am Ende einen unspektakulären, stillen Film, dessen Verwerfungen sich abseits der Leinwand vollziehen.

Und jetzt: Sommer. Ja?

05. Mai 2014 · Kommentare deaktiviert für Was mache ich hier eigentlich (April 2014) · Kategorien: Aus der Produktion · Tags: , , , , , ,

Auf den ersten Blick mache ich gerade: wenig. Auf den zweiten: doch so. Ich habe viel geschrieben, im April, nur eben einiges für die Halde. Entsprechend sieht das so aus wie: Boah, war Falk faul! War er nicht, versprochen.

Im uMag zum Beispiel habe ich über die Stadt geschrieben, die ich gleichzeitig von Herzen verachte und doch irgendwie mag: München.

München ist eine Stadt, in der die Stadtmenschen am Stadtrand leben müssen. Wenn es wenigstens schöner Stadtrand wäre, so wie in Hamburg das Alte Land oder in Berlin Brandenburg. In München heißt die Gegend „Münchner Schotterebene“, das klingt nicht nur wie ein Parkplatz, das sieht auch so aus.

Außerdem habe ich im gleichen Heft ein wenig nachgedacht über Cédric Klapischs Film „Beziehungsweise New York“ (nicht online). Den ich (im Gegensatz zu den meisten Kritikerkollegen) ziemlich gut fand und auch für die kulturnews rezensiert habe.

Die Figuren sind älter geworden, sind an Ehen, Kindern und Jobs mehr oder weniger gescheitert, und über verschiedene Wirrungen treffen sie sie sich in New York wieder. „Wieso wollt ihr alle leben wie vor 20 Jahren?“ fragt Xavier (Duris) entnervt, als sich erste WG-Strukturen wieder auszubilden beginnen. Aber seine Freunde haben etwas kapiert, was er noch nicht verinnerlicht hat: dass die Zeit in Barcelona die beste Zeit ihres Lebens war, dass ihnen keine Türen offenstehen, und dass die coole Großstadt sie nur deswegen nicht sofort wieder ausspuckt, weil sie ziemlich uncool die Einwanderungsbehörden austricksen.

Theaterkritiken gab es auch. Und zwar auf der Nachtkritik. Die erste zu Herbert Fritschs „Die Schule der Frauen“ am Hamburger Schauspielhaus:

Das hier ist kein Klamauk, das ist auch nicht die ans Musiktheater angelehnte Abstraktion, zu der Fritsch manchmal, in seinen besten Arbeiten, neigt, das ist eine Geschichte von Unterdrückung und Manipulation, eine Geschichte, in der es zur Sache geht, eine Geschichte, deren Hauptfigur Arnolphe am Ende gebrochen ist. Zu Recht ist er gebrochen, aber man leidet dennoch mit ihm mit, wie er in seiner zynischen Abgeklärtheit einsam wird und von der Einsamkeit in den Wahnsinn abgleitet. Schon wegen der Radikalität, mit der Meyerhoff solche Einsamkeit unter Fritschs Anleitung spielt, lohnt diese „Schule der Frauen“.

Und dann auch noch eine zweite, zu „Ende einer Liebe“ von Pascal Rambert im Thalia in der Gaußstraße:

Und nach und nach wächst in einem die Erkenntnis: Gezeigt wird zwar das Ende einer Liebe, dieses Ende ist aber in erster Linie das Nachdenken über Anfang und Alltag der Liebe. Die Träume vom gemeinsamen Altern, der Kinderwunsch, das Ejakulat im Rachen. Schön.

Das wars. Das wars? Fast. Ich habe nämlich noch einmal die Rollen getauscht und ein Interview gegeben. Für das wunderbare Projekt „Was machen die da?“ (Note: Ich sollte mal wieder die Blogroll aktualisieren) von Isabel Bogdan und Maximilian Buddenbohm. Und worum ging es? Darum, was ich hier eigentlich mache.

Ich habe eine sehr hohe Meinung von Künstlern, und zwar unabhängig davon, dass das, was sie machen, dann auch blöd sein kann. Aber mir macht es großen Spaß, mich mit dem zu beschäftigen, was ein Künstler tut. Wahrscheinlich gilt das für jede Kunstform, wobei es schon so ist, dass ich vom Theater und mit Einschränkung von bildender Kunst am meisten verstehe. Das heißt, da ist mir der Zugang am leichtesten. Tanz vielleicht auch noch.

11. März 2014 · Kommentare deaktiviert für Was mache ich hier eigentlich (Februar 2014) · Kategorien: Aus der Produktion · Tags: , , , , , , , , , , ,

Erstmal machte ich auf jeden Fall etwas, das dafür sorgt, dass diese Rubrik erst am 11. 3., also erst Mitte März online steht: Ich fuhr in Urlaub. Muss aber auch mal sein. Ansonsten schrieb ich, Überraschung!, mal wieder eine Reihe Presseartikel und, das ist neu, einen Katalogbeitrag.

Für die Nachktkritik war ich zweimal im Hamburger Schauspielhaus. Zum einen in „Schuld“, inszeniert von Karin Henkel:

Eigentlich war der frühe Roman „Schuld und Sühne“ geplant, aber nachdem die Hauptbühne wegen eines Unfalls wochenlang unbespielbar war, lag die gesamte Spielzeitplanung in Trümmern. Henkel zog mit ihrer Produktion in die Nebenbühne Malersaal um und halbierte die Inszenierung: Erstmal wird das Schuldigwerden des gescheiterten Jurastudenten Raskolnikow gezeigt, gut zwei Stunden lang, bis zum echten Mord. Die „Sühne“ aber lässt bis kommende Spielzeit auf sich warten – dann will das gleiche Team den zweiten, umfangreicheren Teil des Romans präsentieren. Entsprechend ist nicht ganz klar, was man unter dem Titel „Schuld“ zu sehen bekommt: eine eigenständige Inszenierung? Oder nur den Auftakt zu etwas, das sich erst in einem Jahr endgültig erfüllt?

Und dann in Christoph Marthalers „Heimweh und Verbrechen“:

Ein wenig scheint der Abend erstarrt zwischen performativer Installation, Musiktheater und fröhlichen Schrägheiten, und dieses Gefühl der Erstarrung sorgt dafür, dass einem die etwas mehr als zwei Stunden zwischendurch gehörig lang werden. Ja, „Heimweh & Verbrechen“ ist ganz wunderbares Nicht-Theater, aber dieses Nicht-Theater ist mittlerweile auch sehr der eigenen Konvention verpflichtet.

Und noch ein dritter Text steht auf der Nachtkritik, zu Wilfried Minks‘ Inszenierung von „Waisen“ am von mir selten besuchten St. Pauli Theater:

Judith Rosmair spielt Helen als Manipulatorin, die keine Sekunde zögert, Sex als Waffe einzusetzen, Johann von Bülow Danny als Duckmäuser, dem die Gelegenheit, seinen Hang zur Gewalttätigkeit auszuleben, mehr oder weniger in den Schoß fällt. Und nicht zuletzt gibt Uwe Bohm Helens Bruder Liam, der blutüberströmt in den romantischen Pärchenabend platzt, aggressiv, intelligent, mit blitzendem Wahnsinn in den Augen. Darstellerisch holpert der Einstieg noch ein wenig, wirkt Kellys Kunstsprache ausgestellt, spätestens in der zweiten Szene hat sich das Trio aber eingespielt, und dann funktioniert der zurückhaltende, weniger auf Effekte als auf Figurenbeziehungen setzende Abend.

Ebenfalls über Theater schreibe ich in Theater heute (Artikel online wie immer nur für Abonnenten verfügbar). Und zwar über die Inszenierung von Hauptmanns „Die Ratten“ am Thalia Theater durch Jette Steckel:

„Theater bildet nicht die Wirklichkeit ab!“ Regisseurin Jette Steckel hat diesen Satz ins Zentrum ihrer Interpretation von Gerhart Hauptmanns „Die Ratten“ am Hamburger Thalia gestellt, und weil sie denkt, dass dem Publikum diese Erkenntnis nicht ganz klar ist, wiederholt sie sie immer wieder. Praktisch die gesamte Inszenierung dreht sich um das Spiel mit „echt“ und „künstlich“, und dieses Spiel spielt Steckel als ihrer Mittel bewusste Künstlerin durchaus gekonnt. Das geht so weit, dass Catrin Striebeck als ehemaliger Theaterstar Sidonie Knobbe aus dem Publikum heraus agieren darf: „Ich habe auch einmal hier gespielt!“, kräht sie. „Eigentlich ist das mein Haus!“ Was vor allem deswegen ein gelungener Witz ist, weil die Schauspielerin Striebeck zwar nie am Thalia engagiert war, ihr Vater aber das Haus in den 1980ern leitete, und der Satz „Eigentlich ist das mein Haus“ entsprechend wirklich eine Wahrheit transportiert.

Ein zweiter Text in Theater heute handelt überraschenderweise von Kino. Na gut, von einer Theaterdokumentation, Milo Raus „Die Moskauer Prozesse“:

„Die Moskauer Prozesse“, das sind drei Gerichtsprozesse, die Rau vergangenes Jahr im Sacharow-Zentrum der russischen Hauptstadt nachstellte: gegen die Organisatoren der Ausstellungen „Vorsicht! Religion“ (2003) und „Verbotene Kunst“ (2006) sowie gegen die Punkband Pussy Riot, die vor zwei Jahren eine Mischung aus Polithappening und Minikonzert in der Moskauer Christ-Erlöser-Kathedrale veranstaltete und so den Zorn von Orthodoxie und Staatsmacht auf sich zog. In der Realität waren die drei Verhandlungen Schauprozesse, die Schuld der Angeklagten stand von vornherein fest.

Über den gleichen Film habe ich auch eine kurze Kritik in der kulturnews geschrieben:

Raus Film „Die Moskauer Prozesse“ dokumentiert nun diese dreitägige Inszenierung: eine Filmdokumentation über Dokumentartheater, das sich seinerseits auf einen Gerichtsprozess, also die juristische Nachbereitung einer Kunstaktion bezieht – Metakino. Besonders weit treibt der Film die Interpretation nicht, im Grunde sehen wir den Zusammenschnitt einzelner Sequenzen der Moskauer Aufführung, einzig kurze Interviews mit der Verteidigerin Anna Stavickaja oder dem Ankläger, dem Journalisten Maxim Schwetschenko, führen übers Theater hinaus.

Außerdem erschien dort auch eine Filmkritik zu „Westen“ von Christian Schwochow:

Frank Lamms Kamera quetscht sich durch die speckigen Gänge, versucht immer wieder hilflose Ausbrüche und stürzt dann doch wieder zurück auf den tristen Boden. Sieht man allerdings von der meisterlichen Kameraarbeit und von den großartigen Schauspielerleistungen ab, hat Christian Schwochow Julia Francks Roman „Lagerfeuer“ recht brav verfilmt und die vielstimmige Handlung auf Nellys Leidensgeschichte verdichtet.

An Büchern besprach ich hier zum einen Roman Grafs Roman „Niedergang“:

Die Bergwanderung, die André und seine Freundin Louise unternehmen, zunächst durch verregnete Zivilisation, dann über sonnenbeschienene Weiden mit unvermitteltem Sex auf der Almwiese, dann durch Fels und Eis, ist eine Analogie auf ein Paar, das eigentlich kein Paar ist. Louise will: Urlaub, Erholung. André will: Grenzerfahrung, den Neandertaler in sich niederringen. Louise will an den See, André auf den Berg, das kann nicht gutgehen.

Außerdem Jacques Tardis Comic „Ich, René Tardi, Kriegsgefangener im Stalag II B“:

Tardi, bekannt für surrealistisch aufgeladene Kriminalgeschichten, legt den Bericht als Gespräch zwischen Vater und Sohn an, der Sohn spaziert zeichnend mit dem Vater durch die Szenarien der Gefangenschaft und schafft dadurch einerseits eine Unmittelbarkeit, andererseits eine Distanzierung, die die Einordnung des Gesehenen erleichtert.

Fürs uMag machte ich diesen Monat wenig. Ich schrieb über Münster, in erster Linie, um zu Beweisen, dass man unterhaltsame Texte über etwas schreiben kann, von dem man rein gar nichts versteht. Ob mir das gelungen ist?

Man soll eine Stadt nicht danach beurteilen, wie sie im „Tatort“ auftaucht, das ist so ähnlich als ob man behaupten würde, man kenne den Wilden Westen, weil, man habe ja mal Karl May gelesen. Nur hilft diese Erkenntnis nichts, das Land ist zu groß, zu unübersichtlich, wie soll man sich zurecht finden in den Weiten der Provinz, wenn nicht über den „Tatort“? Wer war denn schonmal in, zum Beispiel, Saarbrücken? Oder in Münster? Der „Tatort“ zeigt uns, wie es dort zugeht, wie die Menschen dort ticken.

Und schließlich machte ich etwas, das ich bisher noch nie gemacht habe: Ich schrieb einen Katalogbeitrag. Für die Tanzplattform Deutschland, die Ende Februar/Anfang März auf Kampnagel stattfand, über die geschätzten Theatermacher Monika Gintersdorfer und Knut Klaßen:

Seit einem Jahr sind Monika Gintersdorfer und Knut Klaßen Choreographer in Residence bei der Tanzsparte des Theaters Bremen. Und seit einer Spielzeit unterlaufen sie die Strukturen eines Vierspartenhauses mit subversiver Nonchalance: Ja, es wird getanzt, es wird abstrakt der Raum erkundet. Aber gleichzeitig wird auch erzählt, narrativ gearbeitet, Musik gemacht und ins Publikum hinein agitiert. Das (Tanz-)Theater von Gintersdorfer/Klaßen ist nicht gemacht für die Grenzen einer bestimmten Sparte, es ist grenzenlos.

02. Februar 2014 · Kommentare deaktiviert für Was mache ich hier eigentlich? (Januar 2014) · Kategorien: Aus der Produktion · Tags: , , , , , , , , ,

Der Januar war wieder so ein Monat, bei dem man denken könnte, ich schriebe im Akkord (während im Dezember so wenig los war, dass ich überhaupt keinen „Was mache ich hier eigentlich“-Betrag geschrieben habe). Was natürlich Blödsinn ist, die meisten der im Januar erschienenen Texte sind im November und Dezember geschrieben, einige sind sogar noch viel älter und liegen schon einige Zeit auf Halde. Zum Beispiel die Beschreibung des Theaterstücks „Bye Bye Hamburg“ von Christopher Rüping und Anne Rietschel in der Februar-Theater heute (Link nur für Abonnenten zugänglich):

Es gibt zurzeit einen kleinen Trend, Migration nicht von außen als Immigration zu erzählen, sondern von innen, als Emigration. Thomas Arslan machte das im Kino mit seinem Berliner-Schule-Western „Gold“, Karin Beier plant für Januar im Hamburger Schauspielhaus ein Stück namens „Pfeffersäcke im Zuckerland“ über die deutsche Kolonie „Dona Francisca“ in Brasilien. Und Christopher Rüping hat sich gemeinsam mit der Dramaturgin Anne Rietschel die deutsche Auswanderung nach Amerika vorgenommen, eine Recherche über unterschiedliche Emigrantenbiografien.

Im gleichen Heft erschien noch eine weitere Kritik, zu „Mobutu choreografiert“ von Monika Gintersdorfer und Knut Klaßen (dito: nur für Abonnenten):

Das Stück berichtet von Mobutus Rede auf der UN-Vollversammlung 1973, einem aus verschiedenen panafrikanischen und sozialreformerischen Motiven zusammenkopierten Konglomerat, das den 1970 in Zaire umbenannten Staat recht unverblümt dem Westen als Bündnispartner im Kalten Krieg andiente. Eine unoriginelle Rede, die ihren Reiz aus dem Performativen schöpfte: „Alles geklaut“, konstatiert der Schauspieler Hauke Heumann, „aber irgendwie auch cool, mit dem Leopardenhut und so.“ Ja, das hatte was, wie der Diktator alleine mit seinem Outfit afrikanisches Selbstbewusstsein vor der Weltgemeinschaft demonstrierte, bloß: Darf Heumann überhaupt Wertungen vornehmen?

Aber macht das überhaupt Sinn, über Theater zu schreiben, während vor der Tür die Gentrifizierung ganze Stadtviertel auffrisst? Fürs uMag habe ich ein wenig über die unguten Entwicklungen auf St. Pauli nachgedacht:

Großstadt ist dort, wo Reich und Arm, naja, nicht wirklich zusammenleben, es aber irgendwie schaffen, sich miteinander zu arrangieren. Großstadt ist ein Provisorium, Großstadt ist ein Balkon, der nicht mehr betreten werden kann, weil er mit Stützbalken vollgestellt ist. Großstadt ist der lärmende Punkladen genauso wie der Schicki-Club, Großstadt ist der Edelitaliener genauso wie die Tankstelle, an der sich die Kiezgänger mit Sprit eindecken, und Großstadt ist der Luxusappartementbewohner ebenso wie das alte Mütterchen, das seinen Rollator fluchend durch die Treppenhäuser wuchtet, weil sich im Fahrstuhl jemand übergeben hat. Und vor allem ist die Großstadt die Lebensform, die es schafft, all das nicht in die Vororte zu verbannen, die die Schichten nicht säuberlich trennt, sondern die Bewohner der innerstädtischen Glaspaläste zum Blick auf die Nachbarschaft zwingt. Wenn sie diesen Blick aushalten, dann ist das Leben in der Großstadt eine Schule in Toleranz.

Ansonsten bin ich aber auch in dieser Zeitschrift schwer auf der Kunstschiene unterwegs. Zum Beispiel mit einem Porträt der Autorin Naomi Schenck, die über Wohnungen schreibt, Kunststück, im Hauptberuf ist die gute Frau Szenenbildnerin:

Wenn man jemanden in seine Wohnung lässt, dann öffnet man sich ihm auf eine intime Weise, der Schritt von „Ich lasse dich an meine Möbel“ zu „Ich lasse dich an meinen Körper“ ist kein besonders weiter. Die Wohnung ist für Schenck eine „dritte Haut“: „Man kann die Wohnung lesen wie das Gesicht des Gegenübers, wie seinen Kleidungsstil. Egal, was man für Klamotten trägt, es sagt immer etwas über einen aus, auch wenn man versucht, sich so uniformiert wie möglich zu kleiden.“ Unabhängig von der Kleidung: Das Gegenüber ist dann nackt.

Gemeinsam mit meiner Praktikantin Larissa Schwedes habe ich auch noch ein Interview geführt, mit Lisa Hagmeister, einer meiner großen Schauspielheldinnen:

uMag: Manche sagen über Hamburg, dass es gut sei, als Künstler in dieser Stadt zu arbeiten. Aber dass es noch viel, viel wichtiger sei, sie auch wieder zu verlassen.
Hagmeister: Vielleicht muss ich das auch irgendwann mal wieder machen, wer weiß. Es ist wahnsinnig schön, hier als Künstler zu leben, deswegen verpasst man vielleicht irgendwann den Absprung, um weiterzuziehen, was auch wichtig sein kann. Aber man muss gucken, wie man das privat und beruflich zusammen bekommt.

Aber ich habe auch aktuell gearbeitet! Erstens so halbaktuell, im Tageszeitungsbereich. Für die junge Welt habe ich „Die Rasenden“ besprochen, Karin Beiers lang erwartete Eröffnungsinszenierung des Hamburger Schauspielhauses:

»Die Rasenden« ist eine Materialschlacht, wobei Material nicht nur die Ausstattung meint (Bühnenbildner Thomas Dreißigacker zieht alle Register, vom intimen Spiel auf der Vorbühne über exzessive Lebensmittelsauereien bis zum mehrperspektivischen Videoeinsatz), sondern auch das spielende Personal: Insgesamt 17 Schauspieler sind im Einsatz, dazu kommen drei Solomusiker, ein 26köpfiges Streichorchester und mehrere Chöre. Ein Irrsinn! Joachim Meyerhoff und Gustav Peter Wöhler werden als satirischer Chor, na ja, nicht gerade verheizt, aber doch weit unter Wert verkauft. Birgit Minichmayr darf als Elektra nicht einmal eine Stunde glänzen, davon einen Großteil versteckt in der Unterbühne.

Und dann natürlich das ganz schnelle Internet. Für die Nachtkritik habe ich Anne Lenks Inszenierung von Martin Crimps „In der Republik des Glücks“ am Thalia in der Gaußstraße besucht:

„Ich mache gerne meine Beine breit!“ flötet Oda Thormeyer, was nicht sexuell konnotiert ist, sondern sicherheitsfanatisch – man will zeigen, dass man nichts zu verbergen hat, also macht man eben die Beine breit und zupft zwischen denselben eine Perlenkette hervor: alles unter Kontrolle! Zwischendurch wird gesungen, melancholisch-ironischer Indierock, und Tilo Werner spielt Gitarre: „You’re so full of shit!“ Soll niemand behaupten, dass das nicht unterhaltsam sei.

Und an den Hamburger Kammerspielen gab es die Premiere von Sibylle Bergs „Die Damen warten“ in der Regie des Filmregisseurs Kai Wessel. Bin ich da die Zielgruppe? Egal, ich war da:

Nina Petri gibt die Pathologin Frau Grau mit kalter Arroganz, Julia Jäger die Maklerin Frau Töss als sehnsuchtszerfressene Dauergeliebte, dazu kommen Marion Martienzen als naive Hausfrau Merz-Dulschmann und Hildegard Schroedter mit proletarischer Direktheit als alleinerziehende Mutter Frau Luhmann. Und obwohl dieses Quartett bis auf Martienzen mehr Fernseh- als Theaterruhm aufzuweisen hat, meistert es die Aufgabe recht ordentlich – indem die Darstellerinnen gar nicht erst versuchen, ihre Figuren über thesenstarke Abziehbilder hinaus zu entwickeln.

Kurzkritiken habe ich diesen Monat nur im Kinobereich geschrieben. In der kulturnews zum Beispiel über Marvin Krens „Blutgletscher“:

„Blutgletscher“ will eine Art Neuauflage von John Carpenters Genreklassiker „Das Ding“ unter Klimawandelbedingungen sein – die ökologische Botschaft verschwindet allerdings hinter den im Laufe des Films immer unmotivierter eingestreuten Schockmomenten.

Außerdem – und da schließt sich der Kreis zum Lisa-Hagmeister-Interview oben – über Lars Kraumes „Meine Schwestern“:

Lars Kraume macht in „Meine Schwestern“ nicht viel, er lässt die Handlung laufen, die sich aus der klassischen Geschichte von der letzten Reise ergibt, er zeigt Spannungen zwischen den Geschwistern, Vertrautheiten, Ängste. Und weil er neben seinem Frauentrio Jördis Triebel, Nina Kunzendorf und Lisa Hagmeister auch in kleinsten Nebenrollen eine hochkarätigste Besetzung zur Verfügung hat, von Marc Hosemann über Angela Winkler bis zur großen Béatrice Dalle, funktioniert das auch ausnehmend gut.

Und nächsten Monat wird es dann wieder weniger. Versprochen.